Встречи в Одессе - 3

Фестиваль «Встречи в Одессе» за три года стал неотъемлемой частью культурной жизни не только многими воспетой «жемчужины у моря», но и всей Украины.

Сегодня актеры, режиссеры, директора и все, обеспечивающие нормальное функционирование этого предельно сложного механизма под названием театр — достойны уважения. Но существование русских театров в национальных государствах — это особая и непростая история, поскольку на их плечах лежит миссия сохранения литературного русского языка как инструмента постижения огромного, поистине космического пласта мировой культуры. И затеянная уже пять лет назад двумя энтузиастами Александрами Евгеньевичами, один из которых одессит драматург Мардань, а другой директор Одесского русского драматического театра Копайгора, сначала научно-практическая конференция, позже дополненная фестивалем русских театров в Одессе, явление поистине уникальное. Ныне фестиваль — это уже ожидаемая акция и яркий театральный праздник, любимый одесситами.

В 2008 году было показано 14 спектаклей — 7 на большой и 7 на малой сцене, в помещении Еврейского культурного центра. Фестиваль уже стал международным, в его афише 6 спектаклей из России, спектакли из Болгарии, Израиля, Эстонии.

Значимость фестиваля была подчеркнута и присутствием высоких гостей — председателями Союзов театральных деятелей России и Украины — А. А. Калягина и Л.С. Танюка.

Большое внимание фестивалю уже третий год подряд оказывают власти Одессы. Столь серьезная поддержка (я уже не перечисляю многочисленных спонсоров фестиваля — различные одесские организации и фирмы) говорит о том, что уникальность, своевременность и нужность подобного фестиваля оценена и власть предержащими и радетелями развития культуры в регионе, и теми, для кого важно сохранение русской культуры не только в пределах России.

Фестиваль существует вне каких бы то ни было тематических рамок, однако выбранные спектакли так или иначе выстраиваются, обнаруживая скрытый внутренний сюжет.

Во-первых, появление в афише имен Шекспира, Островского, Гоголя, Рабле, Мережковского невольно заставило говорить о проблемах сегодняшней интерпретации классики. А этот вопрос не праздный и для русских театров в Украине и вообще для современного театра. Что важнее, невольно задает себе вопрос художественный руководитель любого театра: касса, привлечение публики, особенно молодежи, любой ценой, или сохранение традиций, умение раскрыть суть произведения, донести глубину и красоту стиля автора, весь спектр переживаний классических героев.

Наверное, мало кто сегодня готов дать однозначный ответ на этот вопрос. Но спектакли по пьесам авторов, перечисленных выше, предоставили возможность для самого разного толкования указанной проблемы.

Невольно образовались два полюса. На одном — спектакль «Ромео и Джульетта», показанный московским Театром Луны. На другом — «Лес» Островского в Белгородском государственном академическом драматическом театре им. М.С.Щепкина (! — имя обязывает).

Спектакль Театра Луны вызвал восторженный прием зрительного зала и суровые оценки критиков.

С одной стороны — бешеная энергетика этого молодого, напористого, нахального спектакля, неожиданные и эффектные мизансцены, масса смешных гэгов и пронзительных по нежности сцен. С другой стороны — явное пренебрежение текстом Шекспира, смыслами, заложенными в пьесе, правдой и глубиной человеческих чувств.

Спектакль идет уже 5 лет, стал участником и призером многих фестивалей. И это говорит прежде всего о том, какой театр востребован сегодня. Но главное — не констатация факта, а попытка разобраться в эстетической природе подобного зрелища. В буклете сказано: «Тинэйджеры, предпочитающие знакомиться с классикой с помощью „сюжетов в кратком пересказе“ и заядлые театралы, поклонники Баха, Массне и Элвиса — все они найдут в этом спектакле свой уголок».

Автор сценической версии, музыкального оформления и хореографии режиссер-постановщик спектакля Лилия Абаджиева из Республики Болгария поставила очень европейский и очень фестивальный спектакль, в котором слово заменяется визуальным рядом, чередой эффектных картинок. Стилистика комикса и клипа, индийского кино и веселого стеба определила характер зрелища.

Кто-то из критиков оценил спектакль как типичный постмодернизм, я же думала о том, что те, кто никогда не читал и, увы, не прочитает «Вильяма нашего Шекспира», так никогда и не узнает, что «Ромео и Джульетта» — одна из самых поэтических историй о любви.

«Лес» в Белгородском театре поставил художественный руководитель ЦАТРА (Центрального академического театра российской армии — Москва) признанный мастер Борис Морозов. Белгородский театр уже несколько десятилетий твердой рукой ведет энтузиаст, подвижник, человек определенных художественных привязанностей, опытнейший директор Виталий Слободчук.

Если можно говорить об аутентичном воспроизведении пьесы в театре, надо вспомнить спектакль белгородцев. Спектакль поставлен и сыгран в лучших традициях Малого театра и русской реалистической школы актерского искусства, основоположником которой и был великий актер Щепкин, чье имя по праву носит театр. Бережное отношение к тексту, особая «вкусная» подача слова, тонкая проработка характеров и ситуаций — все это о спектакле белгородцев.

Блестящие работы у исполнителей ролей Счастливцева и Несчастливцева.

Народный артист России  В. Стариков (Несчастливцев) — настоящий русский трагический актер — рост, фактура, глубокий, густой голос, прекрасная артикуляция, соединение истинного пафоса и иронии, присущей современному исполнителю. Именно тонко отыгранное остранение помогает актеру не встать на котурны, но и не пойти по пути «шептального реализма», привычной обыденности. Аркашка  И. Нарожного истинный гаер, черт, плут, актер актерыч. Было очевидно, что на решение образа Аркашки оказала мощное влияние традиция исполнения этого персонажа великим Ильинским в спектакле Мейерхольда. Отточенная пластика, масса штучек и кунштюков, которые, однако, не становятся самоценными, ибо «работают» на главное — создание яркого живого образа Актера, неунывающего неудачника, влюбленного в театр, каботинца, прохиндея, но человека необыкновенно обаятельного.

Интересно решен образ Гурмыжской актрисой М. Русаковой. Обычно сластолюбивую барыню играют актрисы в солидном возрасте, эта же свежа и обаятельна, оттого острее считываются ситуации и ее ханжеской строгости, и ее женского нетерпения. Пожалуй, впервые стало очевидным, что с самого начала Гурмыжская сознательно выращивает Буланова для себя, а Аксюша в этой ее игре — лишь ширма.

Буланов (И.Ткачев) сыгран сочно, ярко и по-своему обаятельно. Удивительно современный образ великовозрастного балбеса, наглого и подобострастного. Чего стоит его надменность в финале и смешное, детское демонстрирование дорогих часов!

Многие одесские зрители, пожалуй, впервые получили представление о том, что такое истинная школа русского реалистического искусства. В ее так сказать классическом виде. И не случайно, что поставил спектакль Борис Морозов, ученик Кнебель (ученицы самого Станиславского!), несколько лет проработавший в Малом театре и выпустивший там ряд значительных спектаклей.

Столь же важен был приезд на фестиваль и спектакля «Царство зверя?.. Павел I» по Д.Мережковскому Таганрогского драматического театра им А.П.Чехова. Серьезный, глубокий спектакль, сделанный в сдержанной современной лаконичной манере, но избежавший нарочитого и поверхностного осовременивания. Оформлена сцена сукнами — карты Российской империи, полотнище российского флага...

Ничего лишнего, никакого «оживляжа» — идет поединок воль, характеров, самолюбий. В центре внимания — непростой, грешный, мятежный, несчастный и жестокий государь. В исполнении Сергея Герта Павел I — фигура сложная, он не монстр и не ангел, он человек, попавший в водоворот истории.

И в этом спектакле главным стало слово. Словесные дуэли, нежные объяснения, страстные и отчаянные монологи заставляли зрителя в напряженной тишине внимать происходящему на сцене.

Смелым, но и мудрым решением было пригласить спектакль московского театра «Центр драматургии и режиссуры» «Героические деяния и речения доблестных Пантагрюэля и Панурга» по роману Ф. Рабле «Гаргантюа и Пантагрюэль» ( режиссер О. Юмов). Роман этот, являясь этапным в развитии европейской литературы эпохи Возрождения, все же не стал самым популярным чтением. Его знают филологи, специалисты и эстеты. Но обращение к этому произведению, пронизанному духом свободолюбия, озорства, веры в мощь человеческого разума чрезвычайно важно сегодня. Изящный спектакль, поставленный на маленькой сцене «Центра...», конечно, видоизменился на большой. Но публику не мог не захватить азарт, с которым работали ведущие московские молодые актеры, «первые сюжеты» Малого театра — Глеб Подгородинский и МТЮЗа — Алексей Дубровский.

Они дурачились, веселились, красиво отыгрывали самые невероятные ситуации и с серьезнейшим видом произносили замысловатый, а порой и весьма фривольный текст. И снова — встреча с большой литературой, с произведением, почти никогда в театре не появляющимся. Был и еще один важный момент. Этот спектакль стал косвенным ответом тем «экспериментаторам», которые слишком уж увлеклись «телесным низом». Здоровое простое отношение к человеку, как к существу не только божественному, но и природному, и пошлость, увы, заполонившая нынешние подмостки, это, как показал спектакль по Рабле, «две большие разницы» (или мы не в Одессе?).

Хозяин фестиваля, Одесский русский драматический театр, показал «Женитьбу» Н. Гоголя в постановке А. Гирбы. При выборе пьесы сошлось все — и то, что наступающий сезон — юбилейный, отмечается 200-летие великого писателя, в равной степени принадлежащего двум родственным славянским народам — русскому и украинскому. И то, что встреча с классикой для любой труппы — и праздник, и экзамен на творческую зрелость.

Как и все произведения Гоголя, «Женитьба» при всей своей незамысловатости и анекдотичности произведение загадочное и мистическое. Постановщик спектакля стремился выявить за внешним сюжетным рядом и глубину странных переживаний Подколесина, и инфернальность купеческого быта, и нелепость истории с многочисленными женихами.

Не все одинаково удалось, но подлинными яркими событиями стала сваха Фекла Ивановна, в ярком гротескном исполнении Юлии Скарги. Чудаковатая, напористая, хитрая и глуповатая, наивная, пронырливая — все это намешано в невероятных сочетаниях в характере этой Феклы, смешной, закутанной в множество платков. Замечателен Яичница  О. Школьника. Смешной и нелепый толстенький человечек, в котором некоторая вальяжность манеры сочетается с извечным чиновничьим страхом и неуверенностью, горой комплексов, которые его одолевают. Вообще, герои этого спектакля словно вобрали в себя все гоголевские типажи, всех персонажей, чьи имена стали уже нарицательными. Жевакин напоминает Ноздрева. Кочкарев Геннадия Скарги внезапно появляющийся, извивающийся, суетливый, весь в пустых хлопотах — ну чем не Хлестаков!

В Подколесине Ю. Невгамонного нет вальяжной расслабленности. Есть панический страх перед реальной жизнью, которая, по его мнению, обязательно обманет, преподнесет нежеланный сюрприз. Его нерешительность, неуверенность выражается в странных, словно незавершенных жестах, в какой-то внешней неустойчивости, в желании немедленно покинуть чужой дом. И когда он вдруг ляжет на диван, свернувшись калачиком, подложит ручку под щечку, понимаешь, как он жаждет заботы и тепла, каким потерявшимся в страшном мире ребенком чувствует себя! Куда уж ему жениться!

Сложнее с героинями — Агафьей Тихоновной (Л.Коршунова), рисунок роли которой показался слишком жестким, и теткой, Ариной Пантелеймоновной (В.Прокофьева), которая, напротив, сделала из своей героини попросту карикатурную фигуру.

Криворожский областной русский музыкально-драматический театр им. Т.Шевченко из Украины играл спектакль «Завещание целомудренного бабника» украинского драматурга А. Крыма. Анатолий Крым — киевлянин, секретарь Национального Союза писателей Украины, автор многих пьес, для русского зрителя имя новое. Тем приятнее была встреча с умной, тонкой пьесой. История о Дон Жуане, в который раз рассказанная со сцены, предстала в новом неожиданном ракурсе. Заслуженный артист Украины Василий Короленко, главный режиссер театра, стал режиссером-постановщиком спектакля, он же сыграл главную роль — Дон Жуана. Сыграл мягко, пронизал монологи умирающего повесы изящной иронией, невероятной грустью, подчеркнул мудрость того, кого молва назначила главным соблазнителем. Спектакль стал достойным завершающим аккордом фестиваля.

На Малой фестивальной сцене, в основном, показывали спектакли по пьесам современных авторов.

Болгарский драматический театр «Адриана Будевска» из г.Бургаса и Кировоградский академический областной украинский музыкально-драматический театр им. М.Л.Кропивницкого из Украины показали свою интерпретацию пьесы А. Марданя «Дочки-матери». В первом случае спектакль назывался «Особенности русского прет-а-порте», во втором — «Ягодки- цветочки».

Пьеса Марданя дает возможность актрисам сыграть интересные роли, проследить, как раскрывается характер их героинь, как меняются они под влиянием обстоятельств.

Неудивительно, что пьеса привлекла известного кинорежиссера А. Хвана, и он поставил фильм «Вареники с вишнями» с Л.Удовиченко в главной роли. Болгарский театр из Бургаса продемонстрировал высокое мастерство актрис. Деляна Хаджиянкова и Полин Лалова на небольшом пространстве и в ограниченное время развернули волнующую историю двух женщин, молоденькой и зрелой, жизнь которых ох как далека от идеала. Сколько тонкости, юмора, изящества было в этой истории о низвержении с пьедестала женщины в современном обществе. Иван Савов, постановщик спектакля, влюбленный в пьесу, которую нашел случайно в Интернете, сказал, что очень огорчен, что он — не женщина, и не сможет в этом спектакле сыграть ни одну из так понравившихся ему ролей.

В Кировоградском академическом областном украинском музыкально-драматическом театре пьесу Марданя поставил руководитель театра Ю. Жеребцов, спектакль был сыгран на украинском языке Натальей Иванчук и Натальей Поляковой.

Почти подряд показанные эти два спектакля сделали очевидным, сколько течений, нюансов скрыто в пьесе, какие возможности открываются для решения характеров героинь. В украинском спектакле акцент был сделан на молодую девчонку — именно ее характер, еще только формирующийся, безжалостно изломанный предлагаемыми обстоятельствами жизни, в центре действия.

«Два рассказа за еду» — философско-гастрономический диптих. Так определили авторы сценической версии и режиссеры Ирина Егорова и Алена Чубарова жанр спектакля по рассказам А. Марданя «Разгрузочный день» и «Меню».

Московский Театр «Комедиантъ», который возглавляют И. Егорова и А.Чубарова, живет непросто, это коллектив энтузиастов и бессеребренников. Играют они в «нехорошей квартире» Булгакова в Москве. Играют не всегда ровно. Порой их сценические миниатюры кажутся слишком наивными. Но есть в исполнении артистов этого театра искренность и пронзительность, человеческая боль. И живое чувство. В этот раз «Меню» сыграно было ярче и убедительнее, поскольку в истории есть сюжет и характеры. Рассказ «Разгрузочный день» сыграть труднее. Материя этого произведения соткана из запахов и вкусовых ощущений — это ностальгические воспоминания, тоска по молодости, ее вкусам, ароматам, ее свету и надеждам.

Мардань с особым смаком вспоминает еду конца 50-х начала 60-х ХХ века. Ах, как искусно он выписывает не только нюансы вкусовых и обонятельных ощущений, но и напоминает о том, как все это было упаковано-расфасовано, в каких бутылках, обертках, вафельках, стаканчиках подавалось! Сколько во всем этом изящества, иронии и грусти!

Важным было приглашение на фестиваль русских театров из дальнего зарубежья — из Израиля и Эстонии. Существование русских театров в этих странах связано с массой проблем. В Израиле, как известно еще из песни Высоцкого, «на четверть наш народ», а сейчас и того больше, Эстония не так давно еще входила в союз нерушимый. Русский язык для значительной части населения в этих странах не экзотика — часть жизни, для некоторых — единственный язык. Русская культура — своя, внутренняя, часть бытия.

Израильский театр «Ковчег» основал Семен Злотников — один из ярчайших представителей новой драматургической волны 80-х годов прошлого века. На рубеже 80-90-х годов ХХ века он уехал в Израиль, продолжает писать и стал сам ставить пьесы, занялся и административно-организаторской работой. Его пьесы на двоих — грустны, лиричны, печальны и смешны, неожиданны как сама жизнь. Их с удовольствием ставят и в России, и за рубежом.

У пьесы «Уходил старик от старухи» необычная судьба. У Злотникова угнали машину, в которой лежал текст только что написанной пьесы. А через некоторое время позвонили и предложили выкупить бумаги. Среди них оказалась и пьеса. Москвичи помнят спектакль, сыгранный блистательной парой — Михаилом Глузским и Марией Мироновой. И вот актеры Иерусалимского театра «Ковчег» (Израиль) — Этери Абзианидзе и Вячеслав Воробьев играют историю о двух немолодых людях. Об их любви, щепетильности, неустанных духовных поисках, о дурных характерах и старческом брюзжании, о нежности и умении прощать... Зритель завороженно следит за героями, заново оценивающими прожитую жизнь.

Русский театр Эстонии из г.Таллинн показал свою интерпретацию прозы Сергея Довлатова. Спектакль «Большой человек в маленьком городе» обязан своим рождением прежде всего актеру и режиссеру Эдуарду Томану, который поставил спектакль и сыграл самого автора, сыграл в меру патетично, строго, нежно, тонко, стремясь показать глубину и противоречивость натуры одного из самых интересных прозаиков второй половины ХХ века, создавшего новый, свой особенный литературный и разговорный язык. Спектакль дает возможность прикоснуться к настоящей литературе, несет авторское слово — а это одна из главнейших задач русского театра за рубежом. Особое обаяние и объем придают спектаклю зонги, написанные на стихи поэта Елены Скульской, которая стала автором сценической версии довлатовского текста.

В последний день фестиваля прошло достаточно бурное обсуждение спектаклей критиками — Анатолием Баконурским (Одесса), Ниной Шалимовой. В обсуждении приняли участие одесские журналисты, участники и гости фестиваля. А несколькими днями раньше перед участниками фестиваля выступали крупные ученые из Москвы — Ю. Орлов, Г. Дадамян, которые говорили о проблемах существования театра в условиях рынка, о взаимоотношениях государства и культуры не только в России и Украине, но и в развитых европейских странах и США.

Фестиваль закончился. Еще один. Ставший традиционным. Очень нужный городу — не зря его так поддерживают городские и областные власти, уже любимый и ожидаемый зрителями. Фестиваль, без которого уже трудно представить себе жизнь русского театра в Украине. Лиха беда начало. В это же время, в начале сентября, в Ялте, в заново отстроенном здании театра, проходил еще один театральный фестиваль. И пусть их будет много. Фестивалей, конкурсов, конференций, творческих встреч — человеческого тепла и профессионального общения много не бывает.

А на следующий день после завершения фестиваля критиков, ученых и приглашенные коллективы сменили московские педагоги ГИТИСа-РАТИ по сценречи и сцендвижению. Праздники кончились, а жизнь Одесского русского театра продолжается. На эти занятия пришли и актеры Криворожского театра. А. Копайгора с гордостью говорит, что сегодня, после нескольких лет занятий с московскими и питерскими педагогами, речь актеров Одесского театра, действительно, становится эталонной.

Сегодня, пожалуй, именно театру, искусству мобильному и заразительному, искусству, умеющему не только достучаться до разума, но и воспламенить чувства, по силам задачи духовного воспитания людей, сохранения золотого запаса мировой литературы, объединение людей в едином культурном пространстве, где главными становятся законы добра, справедливости и человечности.

Фотогалерея

Комментарии